Alors que les musées multiplient les rétrospectives consacrées aux grandes figures de l'art féministe, une artiste mérite une attention particulière : Sylvia Sleigh. Cette peintre galloise naturalisée américaine, décédée en 2010, a bouleversé les conventions du nu académique en inversant le regard masculin, le fameux « male gaze ». Son œuvre la plus célèbre, Le Bain turc (1973), s'inspire directement de la toile d'Ingres pour mieux la subvertir : sur les coussins, ce ne sont plus des odalisques mais des hommes nus, allongés et offerts au regard.
Une réappropriation du regard
Sylvia Sleigh est née en 1916 à Llandudno, au pays de Galles. Formée à la Slade School of Fine Art de Londres, elle émigre aux États-Unis en 1941 avec son mari, le critique d'art Lawrence Alloway. C'est dans les années 1960 et 1970, au cœur de la seconde vague féministe, qu'elle trouve sa voie : peindre des hommes comme des objets de désir, renversant ainsi le rapport de pouvoir traditionnellement inscrit dans la représentation picturale.
« Je voulais peindre des hommes comme objets de désir », confiait-elle, « pour montrer que le regard n'est pas neutre ». Cette démarche, radicale pour l'époque, s'accompagne d'un engagement militant. Sylvia Sleigh participe aux actions des Guerrilla Girls et expose dans des lieux alternatifs, loin des galeries conventionnelles qui ignorent encore les artistes femmes.
Le Bain turc, une subversion picturale
Le tableau le plus emblématique de Sylvia Sleigh est sans conteste Le Bain turc. En reprenant la composition d'Ingres, l'artiste détourne le canon artistique : les modèles sont des hommes réels, souvent des critiques d'art ou des connaissances, peints sans idéalisation. Le critique Lawrence Alloway, son époux, apparaît au premier plan, ainsi que le poète John Ashbery. Aucune posture n'est épargnée : les corps masculins sont montrés dans toute leur vulnérabilité, comme l'étaient les femmes dans l'histoire de l'art.
Cette toile est devenue une icône de l'art féministe, reproduite dans de nombreux ouvrages de référence. Selon l'historienne de l'art Linda Nochlin, « Sleigh a réussi à déstabiliser le spectateur en lui rappelant que le nu n'a jamais été neutre ». Elle a ainsi ouvert la voie à des générations d'artistes, de Cindy Sherman à Cécile Bart.
Un succès posthume et des expositions
Aujourd'hui, l'œuvre de Sylvia Sleigh connaît un regain d'intérêt majeur. En 2024, la Tate Britain a acquis plusieurs de ses toiles, et une grande rétrospective itinérante, déjà présentée à New York et à Zurich, s'arrête à Paris en 2026. Cette exposition, intitulée « Sylvia Sleigh : Inversion du regard », rassemble plus de soixante peintures et dessins, dont la série des Portraits d'artistes.
Les galeries spécialisées notent une hausse spectaculaire des prix : une de ses œuvres s'est vendue 450 000 euros chez Christie's, un record pour l'artiste. Ce phénomène s'explique par la redécouverte des pionnières de l'art féministe, mais aussi par la pertinence de sa réflexion dans le contexte actuel des débats sur le consentement et la représentation.
Une œuvre au-delà du nu
Si Sylvia Sleigh est principalement connue pour ses nus masculins, son travail est bien plus varié. Elle a peint de nombreux portraits de ses amis artistes, des paysages et des scènes d'intérieur. Dans les années 1980, elle se tourne vers des compositions plus abstraites, mais toujours hantées par la question du regard. Ses toiles, souvent de grand format, témoignent d'une virtuosité technique remarquable, dans la lignée des maîtres anciens qu'elle admirait.
Son influence est aujourd'hui reconnue par les institutions. Le centre Pompidou a intégré deux de ses peintures dans ses collections permanentes en 2023, soulignant l'importance de son apport à l'histoire de l'art moderne. Pour la commissaire de l'exposition parisienne, Marie-Laure Ruiz, « Sylvia Sleigh est une artiste majeure du XXe siècle, dont le travail résonne plus que jamais ».
Un héritage féministe et artistique
Le parcours de Sylvia Sleigh illustre les difficultés rencontrées par les femmes artistes au XXe siècle. Longtemps marginalisée, elle n'a été redécouverte qu'à la fin de sa vie, grâce aux efforts de la critique féministe. Son œuvre pose une question fondamentale : qui a le droit de regarder, et comment ce regard est-il construit ? En inversant les rôles, elle a créé un espace critique où le spectateur est confronté à ses propres attentes et préjugés.
La rétrospective parisienne se tient jusqu'au 30 septembre 2026 au Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris. Une occasion unique de découvrir une artiste qui a fait de la peinture un outil de subversion, et dont le message reste d'une actualité brûlante.
